Y bueno, uno de estos días volví a ver Chocolate, de Prachya Pinkaew, una película tailandesa del 2008 que el año pasado se editó en DVD en Argentina. Ya ni me acuerdo cuándo fue, se me empiezan a mezclar los días en este diario que intenta abarcar una semana (pero las personas como yo que no tienen memoria recuerdan los días pasados como una masa de cosas imposibles de situar en una fecha). También me confundo porque ayer a la noche vi La France de Serge Bozon, que se vio en el Bafici 2008 (tanto Chocolate como La France se consigue para bajar en torrent y están buenísimas), y una cosa no tiene nada que ver con la otra pero sí, porque en las dos las protagonistas son chicas que en un momento, más o menos al principio de la película, se cortan el pelo para emprender una aventura que las necesita valientes y violentas. Zen, la nena de Chocolate, tiene que visitar mafiosos para reclamarles la plata que le deben a la madre ahora enferma por negocios antiguos, y claro, no se la lleva de arriba: se convierte en una luchadora, roba sus movimientos de la tele y de sus enemigos, y las escenas de acción son bien reales, con pocos cortes, salvo los muchos que se lleva la actriz en el cuerpo, como se ve en los créditos finales cuando aparecen los mamporros que se tuvo que pegar para hacer la película. Hay un texto increíble de Diego Trerotola sobre Chocolate en El amante Nº 221, así que no digo más (pasen de paso por el blog de Diego y lean el artículo donde canta la justa sobre el cine de los Coen).

Camille, la chica de La France, recibe una carta donde su marido que está en el frente de batalla (es la I Guerra, pero una guerra tan atemporal –salvo por la ropa de los soldados- que muta todo el tiempo en otra cosa) le dice que no se verán nunca jamás. Ella se corta el pelo casi a cuchillazos, se pone ropa de hombre y sale al campo a buscarlo. Durante toda la película Camille está vestida de hombre, y el batallón de soldados erráticos que se encuentra en el camino la toma, claro, por un chico. Esos soldados, en cambio, hablan de postrecitos de frambuesa, leen poesía y tienen una banda. Las canciones de La France son increíbles, tanto como las historias que se cuentan estos viajeros melancólicos. Ah, los villanos de Chocolate son travestis, me había olvidado de decirlo, y acá tenemos soldados sensibles. Antes de ayer justo fue el día de la mujer y escuché (o leí) demasiadas pavadas, como alguien que decía (hablo de Facebook, claro), algo así como “feliz día de las seductoras” como si esa fuera una especie de esencia femenina. Otra persona puso una foto de un hombre desnudo, de espaldas, con la bandera argentina (?) pintada desde el cuello hasta el culo. No se me ocurre idea más indignante que plantear esa imagen como celebración de un día que por otra parte tiene un origen político (porque de verdad, ¿todavía se sigue pensando a la mujer en relación al hombre?). Y a esas personas tampoco se les ocurre que hay otra forma de festejar ese día, si es que hay algo para “festejar” estrictamente, más que regalándose como escena el culo de algún tipo. Por suerte hay películas que tienen ideas más libres sobre lo que una mujer puede llegar a ser, y les dan formas visuales memorables que sirven –esa es mi pequeña fe- para extender lo que podemos imaginar sobre nosotros mismos.

En Mammuth, que vi el lunes, Gerard Depardieu es un laburante grandote como un elefante, de largas crenchas, que pierde su trabajo y debe embarcarse en los trámites jubilatorios. Para eso necesita juntar muchos papeles, y ahí se lo ve subido a su motoneta, recorriendo la cuidad de un lado para el otro y teniendo aventuras. Mammuth se dio el año pasado en el Festival de Mar del Plata y me quedé sin verla porque no conseguí entrada (como para tantas otras), pero ahora la puede ver en un cineclub que queda por el barrio. Lo lindo es que no fui como espectadora: fue mi primer día de trabajo como portera (digo yo) del cineclub, una salita de cuarenta butacas que proyecta DVD ampliado (y se ve realmente bien). Entonces fue todo distinto, porque lo primero que me enseñaron a hacer es a bajar las luces y arrancar la película. Estas dos acciones simples me parecieron parte de una operación delicada que tiene que ver con crear un clima, en cierta forma hacer magia. Y me acuerdo con mucho cariño de Walter Benjamin cuando en La obra de arte en la era de la reproductibilidad técnica celebraba al cine como parte de un mundo en el que el arte había perdido el aura: lo siento Walter, pero no fue así, y eso no me parece necesariamente negativo. Entonces, vuelvo a esta magia simple, que consiste en apretar un botón e ir bajando la luz al mismo tiempo que empieza la película y hacer el movimiento contrario al final. Esto es cuestión de estilo: a mí me gusta quedarme sentada cuando termino de ver algo que me afectó, incluso me hace falta, y detesto que prendan la luz enseguida y me saquen de mi segundo de asentamiento para tirarme de un empujón a tierra.

Pongamos que la flasheo, pero piensen en ese segundo antes de un beso para entender lo importantes que son los segundos del antes y el después, siempre preciosos. Y mientras tanto vi la película desde atrás, sentada en una banqueta, un poco más arriba que la mini-platea, como espiándola. Hay algo muy hermoso en pasar la película para los demás y verla al mismo tiempo (y eso que hay de hermoso también puede hacer que el día que pase una que a ellos no les guste y a mí sí, quiera matarlos con una ametralladora). Pero sobre todo esa sensación de estar espiando, como cuando éramos chicos y nuestros padres no nos dejaban ver una película porque después íbamos a tener pesadillas o algo por el estilo, y sin embargo nos asomábamos desde atrás de una puerta o de un sofá (así vi El exorcista, y durante mucho tiempo me arrepentí de mi desobediencia) para robar imágenes, furtivos. Después la luz se prende y las personas se quedan para charlar de lo que vieron. El cineclub recupera esa práctica tan sesentista del debate, claro que ahora las películas son otras y también los temas. Algunas de las cosas que se dijeron ahí me parecieron una pavada y otras no (muchas personas se agarran fuerte de los personajes para analizar sus acciones y reacciones, juzgar si tuvieron razón, si están equivocados, aunque hay una especie de locura linda en ese confundir los personajes de películas con personas reales y evaluarlos). Pero hay algo conmovedor en que todavía las personas se encuentren para ver algo juntos, se escuchen, se peleen un poco aún sin conocerse, y sería lindo que eso pasara mucho más (claro que ahora eso pasa en un punto en las redes sociales, no se trata de ser retrógrados con esto).

Bueno, fin de la historia; hoy es al parecer un día pésimo de estrenos, así que me voy a tomar ese subte que llega al Abasto para ver El concierto y Batalla: Los Angeles. Nos estamos viendo.

1era parte

2da parte

Nicolas Cage enfundado de negro llega a un bar de pueblo de esos que tanto me gustan (un mostrador, dos chicas vestidas de rosa con delantales blancos pero reas que sirven café, el forastero que resalta demasiado). Son los primeros momentos de Infierno al volante, aunque antes se había mostrado que el renegado no venía del pueblo –chico- de al lado sino del infierno verdadero y grande. A los quince minutos está metido en un viaje con la camarera más linda, la que todos queríamos que se lleve, la misma que anda de shorcitos y botas texanas y le rompe la cara a patadas al novio cuando lo encuentra en la cama con otra. Son un buen par, y él tiene ese aire trágico de loser que esta vez se refuerza porque sabemos que en cualquier momento tiene que volver a arder en el infierno: el Contador, el guardián más convencional y más excéntrico (William Fichtner, un tipo de impecable traje que anda arrojando al aire, y a la frente de los malos por ejemplo, que parte en dos, una simple monedita), lo anda buscando. ¿Necesito decir algo más? Infierno al volante es grindhouse menos ostentoso que Machete, y por eso me gustó más (ojo, no voy a hablar mal de Machete pero hay un momento en que la película acumula tanto que se vuelve idiota, como en la espantosa pelea final con Lindsay Lohan vestida de monja y la mar en coche –esos coches que rebotaban y rebotaban y rebotaban hasta que al fin parecían de juguete, ¿se acuerdan?).

Así terminó la noche del jueves pasado en el Abasto. Ese mismo día había empezado la Semana de la crítica en el Cosmos-UBA, una sala que se las trae. Entre el jueves y el domingo se proyectaron las películas que la Fipresci (Federación Internacional de la prensa cinematográfica) eligió como mejores del 2010, entre ellas Excursiones, Los labios y Survival of the dead, la última de Romero, que vi el domingo. Allá fui el viernes a ver una película nueva de Raúl Perrone, Al final la vida sigue, igual, tercera de una trilogía que incluye a Los actos cotidianos que se mostró en el Bafici del año pasado. La sala estaba llena, Perrone estaba contento, y el público se quedó después de la película que fue muy aplaudida para hacer preguntas. Me gusta el Cosmos porque tiene butacas rojas de cuerina, un aire a los cines de antes, y un nombre que se presta para toda clase de invenciones, desde “Me voy al Cosmos” hasta donde la imaginación alcance. La entrada sale 15 pesos y 10 para jubilados y estudiantes. Volviendo a Perrone, me gusta mucho lo que está haciendo en esta trilogía, y el año pasado escribí esto durante el Bafici a propósito de Los actos cotidianos. Mucho más no voy a adelantar porque estamos preparando una entrevista para ¡EEUB! que saldrá en las próximas semanas.

Eso en lo que respecta al cine; después está la tele, en casa (no tengo antena, la uso solamente para ver películas bajadas pero hace poco me reclamaron el aparatito de pasar dvds, con todo derecho porque era prestado, así que no me queda más que verlas en la computadora). Por suerte mi amiguito Schell me consiguió Un conte de Noel en DVD en Cinerama, uno de esos videoclubes que todavía existen, y la vi bastante fragmentada y ahora me da culpa. Ojo, no tiene nada que ver con el aburrimiento: es que tengo que escribir sobre la película y me paraba a cada rato para tomar apuntes en el Word. No hace más de un mes (y esto me da la pauta de una caída a pique en la locura) quise anotar una cosa mientras veía Biutiful (perdón) en el Hoyts y no me quedó otra que recurrir al celular, escribir un mensaje y guardarlo como borrador. Horrible. Para mi cumpleaños quiero una lapicera-crítica con luz, como la que una vez me recordaron que tenía el personaje de Catherine Zeta-Jones en Alta fidelidad (donde interpretaba a una ex novia crítica de cine de John Cusack). Lo que anoté de Biutiful (perdón), porque pensé en ese momento que resumía toda la película, es una cosa que el personaje de Bardem le dice a su mujer que es bipolar. Ella, en un momento casi feliz (con la poca felicidad sucia y retorcida que puede haber en el mundo espantoso de Iñárritu) le dice al marido que mire las estrellas, y él le contesta: “Mi amor, eso que ves ahí no son estrellas, es tu sistema nervioso”. Ese es el grado de hijoputez de Iñárritu: no dejar que nadie levante la cabeza, no dejar que nadie flashee, tirarle un toscazo a la chica por la cabeza en su momento bello.

El encargado de arrojar la piedra es Uxbal (sí sí, así se llama Bardem en Biutiful), que en el mismo día se entera de que tiene un cáncer terminal, va preso, después le tira esa mala onda a su mujer, y a continuación de la frase asquerosa mata entre veinticinco y treinta chinos sin querer, porque les regala como acto de caridad una estufas que, ¡oh resulta que estaban falladas! Meado por los elefantes, en ese mundo-Iñárritu pringoso que está lleno de planos de pis con sangre sobre un inodoro blanco, de cadáveres embalsamados que alguien manosea, de Bardem en pañales. Si Iñárritu fuera más sincero haría cosas como The human centipede o algo por el estilo, pero encima es idiota y se pretende político. Lo menos. Un conte de Noel, en cambio, es una película que también trabaja con el cáncer pero desde un lugar totalmente distinto: con dolor (y no solamente con “impresión”, porque Iñárritu está fascinado con los cadáveres y el cuerpo pero como un chico, con curiosidad fría). Los momentos en que un médico punza en el pecho al personaje de Catherine Deneuve para extraer una muestra de médula son físicamente intolerables, y el hospital está teñido de terror porque Desplechin lo filma como si fuera el Nosferatu de Murnau. Y la familia de Un conte de Noel es tan maravillosamente detestable-pero-no como los personajes de Apatow en Funny people, otra de enfermedades, otra que se anima a apostar a esa risa desesperada, amarga pero luchadora, que le escamotea dolor a la muerte.

Ouch, otra vez me extendí y no llego a contarles cosas sobre cineclubes (la culpa es de ese Iñárritu). Quedará para mañana, mientras espero el estreno de Battle: Los Angeles con muchas ganas (cada vez me crece más el sci-fi en el corazoncito; el solo hecho de que se haga ficción de la ciencia, que es lo que en un principio no se puede, me parece una bravuconada hermosa).

1era parte

3era parte

Me faltan 3 años para llegar a la famosa “barrera de los 30” y la verdad es que hay días en que me pongo a pensar si habré hecho algo realmente útil en mi vida para cuando llegue a esa edad ¿Pude cumplir los objetivos que me propuse cuando era adolescente o sigo todavía con el mismo estancamiento que cuando tenía 20? La verdadera pregunta sería: ¿En realidad me propuse algún objetivo en primer lugar o sólo dejé que todo fluyera? Todavía no lo sé. Sé que tuve sueños, expectativas que quizás no se cumplieron (todavía) pero de a poco me entra un temor en el cuerpo, esa cosa tan complicada en la vida que se llama ser adulto.

No se asusten, no voy a hacer una catarsis personal en medio de una crítica, pero pasa que viendo en Greenberg al personaje del título algo fuerte me hizo clic en la cabeza. ¿Se puede ser tan inseguro aún a los 40 años? A Roger Greenberg el aviso de la adultez no llegó a la puerta de su casa. Un neoyorquino amargado, sarcástico y antisocial hasta el cansancio, Greenberg es un tipo que lisa y llanamente no sabe qué carajo hacer de su vida, aunque no se lo pregunte demasiado durante el film. Se nos dice que es escritor, pero lo único que lo vemos escribir es cartas de protesta a diferentes empresas multinacionales. Recluido en la casa de su hermano en Los Angeles, mientras este anda de vacaciones con su familia en Vietnam, Greenberg pasa el tiempo con su amigo de la secundaria al que utiliza de receptor de los ácidos comentarios que hace acerca de sí mismo y de la gente en general. Pero algo va a cambiar en la vida de Roger, y eso va a suceder cuando conozca a Florence, la asistente personal de Phillip, una joven veinteañera de personalidad más irreverente y volátil que la suya. Florence recién esta empezando a vivir la vida adulta, mientras que Roger ya anda por la mitad de la suya, y es en ese choque entre ambos mundos donde se haya la tensión en la nueva película de Noah Baumbach, el mismo de Historias de familia y Margot at the wedding. 

Baumbach es conocido por ese distanciamiento emocional hacia sus criaturas, observándolos como si se trataran de animales salvajes en un documental de Discovery Channel. Al director no le interesa juzgarlos ni tampoco empatizar con ellos, los deja ser y moverse en la vida tal cual son, y si eso implica que el que esté mirando del otro lado pierda toda conexión con ellos pues que así sea. A Baumbach le importan los comportamientos particulares, la forma en la que sus personajes se relacionan con el mundo desde el lugar en el que están parados en la vida sin mirar atrás ni adelante. Como cuando el hijo mayor del matrimonio de Historias de familia decide al final del film enfrentarse al peor temor que tenía cuando era niño (temor que resultaron ser sus propios padres) a Greenberg lo vemos observando, nunca como un sujeto activo para cambiar su destino sino como un espectador más, alguien que sabe que está en un camino cruzado de la vida y que en cualquier momento deberá tomar una decisión por más dolorosa que pueda llegar a ser para él mismo. Florence le proveerá un camino a seguir, pero sólo depende de él querer tomarlo. Baumbach no refleja los encuentros intimos entre ambos personajes con soltura y gracia, sino todo lo contrario, es tal la incomodidad y el realismo que produce Greenberg que  por momentos  nos sintamos  testigos de algo que no deberíamos ver, como si tuviéramos que presenciar una pelea entre dos personas y deseáramos estar en cualquier lugar menos ahí.

Al principio hablaba de los temores que me provoca llegar a los 30 sin saber qué hacer con mi vida, pero comparado con lo que le pasa a Roger Greenberg, por lo menos siento que me falta una década más para empezar a preocuparme de verdad.

La ciencia ficción en el cine está desapareciendo. Actualmente cuando nos referimos a este género hablamos de luchas intergalácticas con alienígenas, efectos especiales de última generación y la necesidad de que todo se convierta en un gran espectáculo visual para deleite de las grandes audiencias. Y si se puede hacer en 3D, mejor. Desde La guerra de las galaxias hasta Avatar, se suele pensar que porque una película transcurre en otro planeta inmediatamente tiene que estar etiquetada como película de ciencia ficción.

Pero por suerte hay otra ciencia ficción cinematográfica, esa que apareció por primera vez en 1968 cuando se estrenó 2001 Odisea del espacio. Es que la cuestión es sencilla, la ciencia ficción no tiene que tomarse como un género por el solo hecho de transcurrir en un planeta diferente al nuestro, o por mostrar seres de otras galaxias. Las mejores aproximaciones al género son aquellas que sirven como base para generar diálogos, cuestionamientos, para transmitir ideas que tienen que ver con nosotros mismos, los seres humanos, y por eso es que lo inexplicable, lo desconocido, puede utilizarse como fuente de ideas y de ensayos sobre la naturaleza del hombre. Podría citar una cantidad innumerable de ejemplos en el campo de la literatura, desde Ray Bradbury hasta Phillip K. Dick, como estandartes de esta idea, pero prefiero no explayarme porque en este caso me refiero pura y exclusivamente al papel que el género ha cumplido dentro del cine en este último tiempo. Encontrar películas de ciencia ficción que exploren estos aspectos cada vez se ha hecho más difícil y se podrían contar los ejemplos con los dedos de la mano, siendo Solaris y Alerta Solar los más destacados además de la ya citada obra maestra de Stanley Kubrick.

Lo que me lleva al caso de En la luna, la opera prima de Duncan Jones, nada más y nada menos que el hijo de David Bowie. Sí, ese mismo David Bowie que con su disco Space Oddity nos hablaba de un astronauta perdido en el espacio. En la luna narra la historia también de un astronauta, Sam Bell, que al igual que el Mayor Tom de Bowie se encuentra vagando en el espacio, en una estación con base en la luna, para ser más preciso. El está por terminar un contrato de 3 años con la empresa Lunar Industries dedicada a la producción de energía renovable para la tierra, energía que es producida gracias al Helium 3 que nuestro protagonista extrae del suelo de la luna. Sam parece ansioso por volver a su hogar luego de pasar 3 años con la única compañía del robot Gerty (que tiene la voz de Kevin Spacey). Pero faltando cada vez menos para que pueda regresar con su mujer y su pequeña, hija un accidente extraño ocurre y nuestro protagonista empieza a tener visiones extrañas. Ahora hay un doble suyo vagando por la estación espacial diciendo ser el auténtico Sam Bell ¿Será cierto? ¿Hasta que punto está Sam delirando gracias a su soledad en el espacio? ¿Y si se trata de un clon? ¿Pero cuál de los dos lo es realmente?

No daré las respuestas acá, pero basta con decir que el director logra llevar al espectador hacia el torturado mundo interno del astronauta, con sus delirios y sus penas, consiguiendo un importante nivel de tensión en el film. Lo increíble de En la luna es como Jones, valiéndose de un presupuesto que no llega ni a la cuarta parte del de un film modesto de Hollywood, construye un relato inteligente y complejo acerca de la soledad y de las consecuencias trágicas que la tecnología puede traer en las personas. La aproximación que realiza el director no hace a un lado las emociones ni deja de aportar un fuerte grado de identificación con el protagonista, con lo que evita caer en la frialdad y el desapego casi clínico que otras películas de esta clase (como la propia 2001) suelen tener en sus tonos generales.

Pero si hay que hablar del mérito mayor de En la luna simplemente hay que resumirlo en dos palabras: Sam Rockwell. Un joven actor todavía no muy conocido mundialmente pero que siempre se roba la escena en cada película en que aparece, ya sea en Los tramposos, Los angeles de Charlie o en El asesinato de Jesse James. Rockwell es de esos actores camaleónicos, esos tipos que desaparecen totalmente dentro del rol y que otorgan un nivel impredecible de carisma y peligro a sus personajes (vean sino esa obra maestra dirigida por George Clooney que es Confesiones de una mente peligrosa). Con la difícil tarea, acá, de interpretar un rol por partida doble, Rockwell nos pone de su lado constantemente cada vez que lo vemos luchar para escapar tanto del espacio físico que lo atormenta como de los demonios internos que no paran de acosarlo. Gracias a su increíble labor, nosotros como espectadores tenemos un nexo dramático que logra conectarnos emocionalmente con ese hombre de las estrellas que aguarda en el cielo, no puede esperar para conocernos y piensa que nos va a deslumbrar, como el mismo Starman de papá Bowie.

¡EEUB! no se pone de acuerdo: Pao le contesta a Casandra. De todas formas
ambas aman a Seth Rogen. 

Funny people no es una película de personajes ni de tramas, es una película de estrellas. No de luminarias al estilo del Hollywood clásico, con frases matadoras y teléfonos blancos, sino de otras más terrenales, estrellitas graciosas, que gustan de hacer chistes que hablan de pitos y de pedos.

Sus protagonistas tienen nombres de ficción –que por supuesto ya me olvidé y que me da pereza buscar en IMDB– e historias imaginarias, pero son nada más que un telón muy transparente y precario que apenas encubre y cobija a nombres propios fuertes, los que, según parece, son por estos días los capitanes de la comedia americana.

Es que enseguida identificamos perfectamente a Adam Sandler “as himself”, con esa cara que hace dudar sobre su coeficiente intelectual, con sus aspiraciones cómicas y musicales, admitiendo un par de títulos en su haber que preferiría olvidar pero que la gente adora y que pagaron sus lujos de star. También está  Seth Rogen, el eterno perdedor todo terreno, sensible y posiblemente talentoso, antes gordo y ahora flaco (en algún momento se hace alusión expresa a su nueva figura esbelta), y Jason Schwartzman asumiendo su condición de enano agrandado, de galán de metro y medio. Todos conservan sus características reales, o al menos aquellas que sus filmografías y nuestras poco orgullosas y confesables visiones de E! Entertainment nos hicieron creer que tienen.

Y en el corazón de este recurso de espejo e intento de sinceridad está el mérito de Funny people y a lo mejor también su defecto, según el ánimo del espectador. Porque más allá de las cualidades personales de los que nombramos hay en el autor y director, Judd Apatow, un arranque de honestidad brutal que impide idealizar a ninguno de sus semi-verdaderos personajes. A todos los muestra amargos, soberbios y traicioneros, a veces amigos y muchas otras competidores, gente que hace divertir, pero no precisamente divertida.

Para muchos resultará una decepción ver a sus estrellas tropezando y revolcándose en el lodo de historias simples, bajando de sus constelaciones no precisamente por sus chistes vulgares sino por su baja estatura moral. Sin embargo,  para el ojo pesimista de la que escribe, esta condición de payasos tristes los hace queribles y creíbles. A decir verdad, me cae mucho más simpático Krusty que Piñón Fijo, porque en definitiva lo que importa son los resultados. Prefiero el amargo edulcorado al demagogo empalagoso.

Funny people viene a decirnos que en las raíces de la risa están también el cinismo, el ego y la crueldad. Pero ¿qué importa que el árbol crezca chueco e insulso si en definitiva, después termina dando frutos dulces?

Es raro lo que pasa con Funny people. Si se tiene en cuenta que en una misma película participan Judd Apatow, Seth Rogen, Adam Sandler y Jason Schwartzman , el resultado lógico que se puede esperar debería ser digno de un dream team. Sin embargo la película está bastante lejos de serlo; es verdad que la pareja protagónica que arman Rogen y Sandler tiene muy buena química, pero falta algo.

En Virgen a los 40 o en Ligeramente embarazada (las películas anteriores de Apatow) los personajes son perdedores pero antes que nada son amigos, se percibe cierta felicidad en su patetismo. Muchos critican a estas películas porque las tildan de conservadoras, de que todos los personajes dejan de lado la vida ociosa en compañía de los amigotes de siempre para sentar cabeza y asumir los compromisos que se supone vienen con la vida adulta. Pero la realidad es que siempre los vemos felices con sus decisiones, así les conlleve una responsabilidad que no veían venir.

En Funny people esto parecería estar al revés. George Simmons (Sandler) es un comediante famoso que se entera de que tiene una enfermedad terminal. Su vida es solitaria más allá de que su fama y riqueza le permitan acostarse con chicas de veinte años. Es un amargado que aparentemente cuando era joven y no tenía éxito era feliz (al menos es lo que podemos imaginar cuando ve sus videos viejos en el sillón).

La noche en que se entera de su enfermedad va a un club de stand up y luego de hacer un número bochornoso conoce a Ira (Seth Rogen), con quien comienza una relación que va a ir variando a lo largo de la película entre la colaboración para crear chistes de Ira, la amistad y la traición.

Digo que todo parecería estar al revés porque justamente en Funny people, la felicidad no está nunca presente en los personajes, ni en los exitosos que ya asumieron las responsabilidades, ni en los perdedores que tratan de alcanzar el estrellato. No hay una sola escena en que uno los vea pasarla bien, y esto no sería un problema si la idea de que todo tiempo sin éxito fue mejor no estuviese sobrevolando toda la película. Cuando en la cena de Acción de Gracias Sandler les pide a sus amigos que disfruten porque ese va a ser el mejor día de Acción de Gracias de sus vidas, no le podemos creer, no, porque minutos antes habíamos visto cómo los tres amigos que comparten el departamento (Schwartzman, Jonah Hill y Rogen) estaban enroscados en una pelea, justamente por una traición. Dejando de lado la realidad que puede estar implícita en la película de que las relaciones no son color de rosa, ni siquiera las de amistad, no se trata de los amigos se peleen o se lleven mal, sino de que la envidia, los celos y el rencor parecen teñir las relaciones que los unen.

Lo que descoloca de la película, más allá de su tono amargo, es la ambición que tiene. En las más de dos horas y media que dura trata no sólo de reflexionar sobre el estado de la comedia americana (sitcoms incluidas) y de hacer guiños autorreferenciales, sino de resolver a la fuerza un romance que nunca estuvo bien desarrollado y que termina por desorientarnos. A esa altura ya no hay Seth Rogen que salve el cinismo de Sandler, y si no me creen mírenlo reírse de una nena de 8 años cantando Memories.

¡Feliz Navidad para todos de parte de la redacción de Esto es un bingo!