Y bueno, uno de estos días volví a ver Chocolate, de Prachya Pinkaew, una película tailandesa del 2008 que el año pasado se editó en DVD en Argentina. Ya ni me acuerdo cuándo fue, se me empiezan a mezclar los días en este diario que intenta abarcar una semana (pero las personas como yo que no tienen memoria recuerdan los días pasados como una masa de cosas imposibles de situar en una fecha). También me confundo porque ayer a la noche vi La France de Serge Bozon, que se vio en el Bafici 2008 (tanto Chocolate como La France se consigue para bajar en torrent y están buenísimas), y una cosa no tiene nada que ver con la otra pero sí, porque en las dos las protagonistas son chicas que en un momento, más o menos al principio de la película, se cortan el pelo para emprender una aventura que las necesita valientes y violentas. Zen, la nena de Chocolate, tiene que visitar mafiosos para reclamarles la plata que le deben a la madre ahora enferma por negocios antiguos, y claro, no se la lleva de arriba: se convierte en una luchadora, roba sus movimientos de la tele y de sus enemigos, y las escenas de acción son bien reales, con pocos cortes, salvo los muchos que se lleva la actriz en el cuerpo, como se ve en los créditos finales cuando aparecen los mamporros que se tuvo que pegar para hacer la película. Hay un texto increíble de Diego Trerotola sobre Chocolate en El amante Nº 221, así que no digo más (pasen de paso por el blog de Diego y lean el artículo donde canta la justa sobre el cine de los Coen).

Camille, la chica de La France, recibe una carta donde su marido que está en el frente de batalla (es la I Guerra, pero una guerra tan atemporal –salvo por la ropa de los soldados- que muta todo el tiempo en otra cosa) le dice que no se verán nunca jamás. Ella se corta el pelo casi a cuchillazos, se pone ropa de hombre y sale al campo a buscarlo. Durante toda la película Camille está vestida de hombre, y el batallón de soldados erráticos que se encuentra en el camino la toma, claro, por un chico. Esos soldados, en cambio, hablan de postrecitos de frambuesa, leen poesía y tienen una banda. Las canciones de La France son increíbles, tanto como las historias que se cuentan estos viajeros melancólicos. Ah, los villanos de Chocolate son travestis, me había olvidado de decirlo, y acá tenemos soldados sensibles. Antes de ayer justo fue el día de la mujer y escuché (o leí) demasiadas pavadas, como alguien que decía (hablo de Facebook, claro), algo así como “feliz día de las seductoras” como si esa fuera una especie de esencia femenina. Otra persona puso una foto de un hombre desnudo, de espaldas, con la bandera argentina (?) pintada desde el cuello hasta el culo. No se me ocurre idea más indignante que plantear esa imagen como celebración de un día que por otra parte tiene un origen político (porque de verdad, ¿todavía se sigue pensando a la mujer en relación al hombre?). Y a esas personas tampoco se les ocurre que hay otra forma de festejar ese día, si es que hay algo para “festejar” estrictamente, más que regalándose como escena el culo de algún tipo. Por suerte hay películas que tienen ideas más libres sobre lo que una mujer puede llegar a ser, y les dan formas visuales memorables que sirven –esa es mi pequeña fe- para extender lo que podemos imaginar sobre nosotros mismos.

En Mammuth, que vi el lunes, Gerard Depardieu es un laburante grandote como un elefante, de largas crenchas, que pierde su trabajo y debe embarcarse en los trámites jubilatorios. Para eso necesita juntar muchos papeles, y ahí se lo ve subido a su motoneta, recorriendo la cuidad de un lado para el otro y teniendo aventuras. Mammuth se dio el año pasado en el Festival de Mar del Plata y me quedé sin verla porque no conseguí entrada (como para tantas otras), pero ahora la puede ver en un cineclub que queda por el barrio. Lo lindo es que no fui como espectadora: fue mi primer día de trabajo como portera (digo yo) del cineclub, una salita de cuarenta butacas que proyecta DVD ampliado (y se ve realmente bien). Entonces fue todo distinto, porque lo primero que me enseñaron a hacer es a bajar las luces y arrancar la película. Estas dos acciones simples me parecieron parte de una operación delicada que tiene que ver con crear un clima, en cierta forma hacer magia. Y me acuerdo con mucho cariño de Walter Benjamin cuando en La obra de arte en la era de la reproductibilidad técnica celebraba al cine como parte de un mundo en el que el arte había perdido el aura: lo siento Walter, pero no fue así, y eso no me parece necesariamente negativo. Entonces, vuelvo a esta magia simple, que consiste en apretar un botón e ir bajando la luz al mismo tiempo que empieza la película y hacer el movimiento contrario al final. Esto es cuestión de estilo: a mí me gusta quedarme sentada cuando termino de ver algo que me afectó, incluso me hace falta, y detesto que prendan la luz enseguida y me saquen de mi segundo de asentamiento para tirarme de un empujón a tierra.

Pongamos que la flasheo, pero piensen en ese segundo antes de un beso para entender lo importantes que son los segundos del antes y el después, siempre preciosos. Y mientras tanto vi la película desde atrás, sentada en una banqueta, un poco más arriba que la mini-platea, como espiándola. Hay algo muy hermoso en pasar la película para los demás y verla al mismo tiempo (y eso que hay de hermoso también puede hacer que el día que pase una que a ellos no les guste y a mí sí, quiera matarlos con una ametralladora). Pero sobre todo esa sensación de estar espiando, como cuando éramos chicos y nuestros padres no nos dejaban ver una película porque después íbamos a tener pesadillas o algo por el estilo, y sin embargo nos asomábamos desde atrás de una puerta o de un sofá (así vi El exorcista, y durante mucho tiempo me arrepentí de mi desobediencia) para robar imágenes, furtivos. Después la luz se prende y las personas se quedan para charlar de lo que vieron. El cineclub recupera esa práctica tan sesentista del debate, claro que ahora las películas son otras y también los temas. Algunas de las cosas que se dijeron ahí me parecieron una pavada y otras no (muchas personas se agarran fuerte de los personajes para analizar sus acciones y reacciones, juzgar si tuvieron razón, si están equivocados, aunque hay una especie de locura linda en ese confundir los personajes de películas con personas reales y evaluarlos). Pero hay algo conmovedor en que todavía las personas se encuentren para ver algo juntos, se escuchen, se peleen un poco aún sin conocerse, y sería lindo que eso pasara mucho más (claro que ahora eso pasa en un punto en las redes sociales, no se trata de ser retrógrados con esto).

Bueno, fin de la historia; hoy es al parecer un día pésimo de estrenos, así que me voy a tomar ese subte que llega al Abasto para ver El concierto y Batalla: Los Angeles. Nos estamos viendo.

1era parte

2da parte

Nicolas Cage enfundado de negro llega a un bar de pueblo de esos que tanto me gustan (un mostrador, dos chicas vestidas de rosa con delantales blancos pero reas que sirven café, el forastero que resalta demasiado). Son los primeros momentos de Infierno al volante, aunque antes se había mostrado que el renegado no venía del pueblo –chico- de al lado sino del infierno verdadero y grande. A los quince minutos está metido en un viaje con la camarera más linda, la que todos queríamos que se lleve, la misma que anda de shorcitos y botas texanas y le rompe la cara a patadas al novio cuando lo encuentra en la cama con otra. Son un buen par, y él tiene ese aire trágico de loser que esta vez se refuerza porque sabemos que en cualquier momento tiene que volver a arder en el infierno: el Contador, el guardián más convencional y más excéntrico (William Fichtner, un tipo de impecable traje que anda arrojando al aire, y a la frente de los malos por ejemplo, que parte en dos, una simple monedita), lo anda buscando. ¿Necesito decir algo más? Infierno al volante es grindhouse menos ostentoso que Machete, y por eso me gustó más (ojo, no voy a hablar mal de Machete pero hay un momento en que la película acumula tanto que se vuelve idiota, como en la espantosa pelea final con Lindsay Lohan vestida de monja y la mar en coche –esos coches que rebotaban y rebotaban y rebotaban hasta que al fin parecían de juguete, ¿se acuerdan?).

Así terminó la noche del jueves pasado en el Abasto. Ese mismo día había empezado la Semana de la crítica en el Cosmos-UBA, una sala que se las trae. Entre el jueves y el domingo se proyectaron las películas que la Fipresci (Federación Internacional de la prensa cinematográfica) eligió como mejores del 2010, entre ellas Excursiones, Los labios y Survival of the dead, la última de Romero, que vi el domingo. Allá fui el viernes a ver una película nueva de Raúl Perrone, Al final la vida sigue, igual, tercera de una trilogía que incluye a Los actos cotidianos que se mostró en el Bafici del año pasado. La sala estaba llena, Perrone estaba contento, y el público se quedó después de la película que fue muy aplaudida para hacer preguntas. Me gusta el Cosmos porque tiene butacas rojas de cuerina, un aire a los cines de antes, y un nombre que se presta para toda clase de invenciones, desde “Me voy al Cosmos” hasta donde la imaginación alcance. La entrada sale 15 pesos y 10 para jubilados y estudiantes. Volviendo a Perrone, me gusta mucho lo que está haciendo en esta trilogía, y el año pasado escribí esto durante el Bafici a propósito de Los actos cotidianos. Mucho más no voy a adelantar porque estamos preparando una entrevista para ¡EEUB! que saldrá en las próximas semanas.

Eso en lo que respecta al cine; después está la tele, en casa (no tengo antena, la uso solamente para ver películas bajadas pero hace poco me reclamaron el aparatito de pasar dvds, con todo derecho porque era prestado, así que no me queda más que verlas en la computadora). Por suerte mi amiguito Schell me consiguió Un conte de Noel en DVD en Cinerama, uno de esos videoclubes que todavía existen, y la vi bastante fragmentada y ahora me da culpa. Ojo, no tiene nada que ver con el aburrimiento: es que tengo que escribir sobre la película y me paraba a cada rato para tomar apuntes en el Word. No hace más de un mes (y esto me da la pauta de una caída a pique en la locura) quise anotar una cosa mientras veía Biutiful (perdón) en el Hoyts y no me quedó otra que recurrir al celular, escribir un mensaje y guardarlo como borrador. Horrible. Para mi cumpleaños quiero una lapicera-crítica con luz, como la que una vez me recordaron que tenía el personaje de Catherine Zeta-Jones en Alta fidelidad (donde interpretaba a una ex novia crítica de cine de John Cusack). Lo que anoté de Biutiful (perdón), porque pensé en ese momento que resumía toda la película, es una cosa que el personaje de Bardem le dice a su mujer que es bipolar. Ella, en un momento casi feliz (con la poca felicidad sucia y retorcida que puede haber en el mundo espantoso de Iñárritu) le dice al marido que mire las estrellas, y él le contesta: “Mi amor, eso que ves ahí no son estrellas, es tu sistema nervioso”. Ese es el grado de hijoputez de Iñárritu: no dejar que nadie levante la cabeza, no dejar que nadie flashee, tirarle un toscazo a la chica por la cabeza en su momento bello.

El encargado de arrojar la piedra es Uxbal (sí sí, así se llama Bardem en Biutiful), que en el mismo día se entera de que tiene un cáncer terminal, va preso, después le tira esa mala onda a su mujer, y a continuación de la frase asquerosa mata entre veinticinco y treinta chinos sin querer, porque les regala como acto de caridad una estufas que, ¡oh resulta que estaban falladas! Meado por los elefantes, en ese mundo-Iñárritu pringoso que está lleno de planos de pis con sangre sobre un inodoro blanco, de cadáveres embalsamados que alguien manosea, de Bardem en pañales. Si Iñárritu fuera más sincero haría cosas como The human centipede o algo por el estilo, pero encima es idiota y se pretende político. Lo menos. Un conte de Noel, en cambio, es una película que también trabaja con el cáncer pero desde un lugar totalmente distinto: con dolor (y no solamente con “impresión”, porque Iñárritu está fascinado con los cadáveres y el cuerpo pero como un chico, con curiosidad fría). Los momentos en que un médico punza en el pecho al personaje de Catherine Deneuve para extraer una muestra de médula son físicamente intolerables, y el hospital está teñido de terror porque Desplechin lo filma como si fuera el Nosferatu de Murnau. Y la familia de Un conte de Noel es tan maravillosamente detestable-pero-no como los personajes de Apatow en Funny people, otra de enfermedades, otra que se anima a apostar a esa risa desesperada, amarga pero luchadora, que le escamotea dolor a la muerte.

Ouch, otra vez me extendí y no llego a contarles cosas sobre cineclubes (la culpa es de ese Iñárritu). Quedará para mañana, mientras espero el estreno de Battle: Los Angeles con muchas ganas (cada vez me crece más el sci-fi en el corazoncito; el solo hecho de que se haga ficción de la ciencia, que es lo que en un principio no se puede, me parece una bravuconada hermosa).

1era parte

3era parte

Ruta. Costa Atlántica. Cine Astral de Miramar. Cerrado.

Recién llegada de unas vacaciones en España donde ¡increíblemente! se la pasó yendo al cine, porque se ve que no le alcanzó con el Bafici, nuestra redactora itinerante Paola Simeoni nos trae esta imagen de naturaleza casi delirante en su enunciado de neón celeste, que se presta para miles de chistes (“Platón estaría orgulloso”, “Un cinéfilo le dice al otro: ¿adónde estamos? ¿ya nos fuimos al cielo?”, etc. etc.), y dice:

Quizás por falta de entrenamiento, quizás por pereza o por alguna limitación psico-física que desconocemos, la mayor parte del público español afirma que le resulta imposible leer los subtítulos y entender las imágenes al mismo tiempo. Como resultado de esta tara inexplicable, casi la totalidad de los cines de Madrid (y de la España toda) exhiben las películas foráneas dobladas al más recalcitrante acento ibérico.
Es así que si quieren evitar la proliferación de “coños”, “joder” y otras yerbas en la boca de actores extranjeros, los madrileños no tienen otra posibilidad que acceder a un refugio seguro cerca de la estación Tirso de Molina: el cine Ideal, con sus vitreaux y sus neones, se yergue orgulloso como bastión de los cinéfilos con oídos puristas.
Como antídoto a la amenaza que en estos días también oscurece a los cines argentinos, mírenlo orgulloso en esta foto, ejemplo de resistencia a la que adherimos en las páginas virtuales de ¡Esto es un bingo!

De nuestro corresponsal Juan Pablo, dos fotos de una París que se parece más al cine que a sí misma. Un Moulin Rouge en neón más cercano a la película de Lurhmann que a los afiches publicitarios de Toulouse-Lautrec, y un cine muy paquete donde, si se fijan bien, están dando la nueva película de Julie Delpy (no tiene muchas probabilidades de ser buena, vean la seriedad yanqui de la que habló Santiago, en ese trailer).

La comtesse cuenta el cuento de la condesa que se bañaba con sangre de vírgenes para ser siempre joven y que también obsesionaba a Alejandra Pizarnik, que le dedicó un libro. Veremos qué pasa, es bastante dudoso que se estrene acá, y un poco más dudoso que tenga tanta sangre como la historia pide. Por lo pronto ya tenemos The Duchess, La Comtesse y The Queen; con Prince of Persia y El príncipe de Egipto es casi un full de negros chinos.

Por cierto, quien quiera compartir una foto de la fachada de un cine perdido en el tiempo o en el mundo,  puede hacerlo a info@estoesunbingo.com.ar